Crítica a Doctor Extraño.

Los Estudios Marvel se atreven por adaptar a uno de los personajes más místicos y misteriosos de su universo de ficción e incorporarlo al Universo Cinematográfico Marvel. Y la verdad que el resultado me ha parecido cuanto menos flojo e irregular. No es que tuviera especiales esperanzas en esta película y la verdad que el personaje aunque siempre me ha resultado atractivo, tampoco es que yo sea un gran conocedor de este. Así que únicamente me voy a ceñir a lo que he visto en pantalla y lo que me ha transmitido la película.

Y antes de nada voy a enunciar las virtudes de la película. En un primer lugar, la elección de Benedict Cumberwatch me parece acertada y hace un gran trabajo y una gran caracterización. La solvencia y calidad de este actor está más que demostrada, aunque reconozco que he hecho mil chistes a su costa por lo peculiar de su nombre. La banda sonora me pareció bastante buena y con piezas realmente hermosas, recordemos que compone el ganador de un oscar Michael Giachino y crea unos temas con clavicornio que acompaña al misticismo que envuelve la cinta. Y por último los efectos especiales de la película son magistrales, dignos de ser premiados y creando una atmósfera misteriosa y mística muy acorde con la película y con el personaje a tratar.

Ahora bien, en cuanto al desarollo de la trama, la trama en sí mismo y el guión, la película hace agua por todas partes. No porque se repita la manida fórmula de película de origen de un superhéroe. Si no por como se desarrolla esta y por lo mal filmada que están las escenas de acción y el montaje hace que la película sea caótica y no resulte estética a la vista. Las escenas de acción son confusas, no hay planos claros. Los mejores planos que ofrece la película son en secuencias completamente anodinas. Por otro lado la evolución del personaje resulta precoz y artificial. Da la sensación de que el Doctor Extraño consigue su nivel de poder en un par de semanas, en ningún momento se tiene la sensación de que ha pasado un tiempo prolongado de estudio. Yo personalmente habría resuelto esto con una secuencia sin diálogos donde se viese al personaje estudiando, entrenando, el paso de los días, de las estaciones y como el héroe va progresando. Y sin embargo da la sensación de que el arrogante occidental cargado de pensamiento racionalista y crítico, asume de la noche a la mañana el dominio total de las artes místicias en las que era escéptico unos instantes antes.

Por otro lado, la cinta tiene un montaje confuso. Da la impresión de que han cortado metraje y no se ha añadido. En un momento lado dan una información sobre una tragedia acaecida y sin embargo esta no se muestra y se pasa de largo. Así mismo el guión flojea muchísimo. La mayoría de los chistes están colocados con calzador, como si fueran un cartel de aplausos para el público de un programa de entrevistas de la TV. El malo es totalmente falto de carisma y de empuje y hace que su motivación genérica no te convezca. También el desarrollo de algunos personajes es forzado y más con vistas a presentar próximos villanos/rivales que tener una construcción sólida de una trama.

Para mi gusto ha sido una de las películas más flojas de Marvel. Y la verdad, me encantan las películas de superhéroes y suelo estar predispuesto a que me gusten. Pero con esta no he podido cogerla por ningún sitio.

Crítica de la Fiesta de las Salchichas.

Ayer casi de casualidad acabé entrando a ver La Fiesta de las Salchichas. No tenía absolutamente ningún interés en ver la película y la promoción de la cinta como película de animación para adultos cargada de humor soez tampoco me resultaba atractiva. Pero cuando te ves cerca de las 12:30 en la puerta del cine, tampoco es que hubiera mucho que escoger, así que nos decidimos a entrar a ver esta película.

La verdad que la película es completamente inclasificable. Por un lado rebosa de humor soez, de grano grueso y casposo, en ocasiones racista y sexista que hace dar vergüenza ajena al espectador. Pero por otro lado la película se desvela como una carga de profundidad contra el orden establecido, cuestionando la razón de ser de las religiones, la dominación por parte de los estados, el consumismo galopante y el capitalismo más atroz e incluso se atreven a dar matices filosóficos cuestionando las obras de ficción y cuestionando la propia película e incluso a la persona que va a verla.

Y la verdad que solamente esperaba las más obvias y rancias referencias fálicas y al coito sexual, cosas que por supuesto abundan y se ceban con el tema. Por no hablar de lo simplon del guión. Pero a fin de cuentas la Fiesta de las Salchichas resulta una película modesta y entretenida y que a pesar de no ser una genialidad tiene algo que decir y no se queda en la superficialidad de hacer chistes sexuales.

Imagino que en versión original, la cinta debe ganar muchos enteros por los juegos de palabras y las voces de los actores del reparto, donde contribuyen Edward Norton o Salma Hayeck al doblaje de la animación. La calidad de esta última sin embargo no es muy brillante, en el sentido de contar con menos presupuesto que las producciones habituales de Dreamworks o de Disney/Pixar.

En resumen una película totalmente inclasificable pero que a pesar de todos los pesares merece la pena.

Crítica a La Caza.

Buscando documentarme sobre películas con valor etnográfico para mi Trabajo de Fin de Máster encontré esta maravillosa película de Carlos Saura. Donde el propio Saura lleva además de la dirección, el guión junto a Angelino Fons y la producción de la película junto a Elías Querejeta. La música rítmica y ritual corre a cargo de Luis de Pablo y la fotografía mostrando todo el calor tórrido del mes de agosto es obra de Luis Cuadrado. Esta película tiene la virtud de ser una de las pocas rodada en orden de guión, solo conociendo otro caso en Mad Max Fury Road. Posiblemente amplie esta crítica para el TFM y así matar dos pájaros de un tiro.

La trama de la película consiste en cuatro hombres que deciden irse a cazar conejos a un coto de caza en medio de la nada. El lugar fue un antiguo campo de batalla de la Guerra Civil y aún se aprecian las heridas en el terreno. El sol de agosto castiga sin piedad la Meseta Castellana, el sudor llena la cara de los protagonistas. Tres viejos amigos y el cuñado de uno de ellos cogen sus armas de fuego y se van a cazar conejos. Los cuatro son de extracto pudiente, los cuatro van al monte sin preocupación ninguna a soltar plomo a los conejos que vean.  Los cuatro protagonistas son presentados entrando en un bar de carretera y ya podemos astivar los problemas y miserias de cada cual, la separación de José (Ismael Merlo) con su mujer, los problemas con el alcohol de Luis (José María Prada) y el menosprecio por los demás del más exitoso de ellos, Paco (Alfredo Mayo) cierra el cuartero protagonista el joven Enrique (Emilio Gutierrez Caba) deseando ser aceptado en este entorno adulto y masculino. Se hace especial enfasis en esto al ser junto con Luis en pedir una bebida alcohólica. Así astibamos las preocupaciones y problemas de los cuatro.

Conforme los personajes llegan a la finca, podemos ver la edificación de miseria donde habita Juan el tullido guardés (Fernando Sánchez Polack) junto con su anciana y enferma madre (María Sánchez Aroca) y su joven sobrina Carmen (Violeta García). Aquí se puede apreciar claramente marcada la referencia a la lucha de clases y como cuatro burgueses adinerados van a pasearse repartiendo muerte por estos campos de Castilla. Como el joven Enrique es aceptado en este grupo al unir el consumo de alcohol al usar armas de fuego y disparar a los conejos. Y es que la interpretación sobre lo que es y ha sido España queda reflejado en la película totalmente. Se dice que el nombre de España significa tierra de conejos, y connotaciones sexuales aparte, el simbolismo queda bastante claro. Cuatro hombres armados matando la tierra española bajo un sol de justicia.

La fotografía de la película nos refleja el calor del páramo desolado que es Castilla la Mancha, podemos apreciar el sudor de los personajes, la forma casi fantasmal por la que se mueven en la cinta y como sus problemas y tensiones se van acumulando como una gran olla a presión en medio de este ritual de masculinidad, armas de fuego y muerte.

El propio Sam Peckimpah le llegó a reconocer a Carlos Saura que bebió de esta película para su magistral Grupo Salvaje  y a título personal creo que hasta en Perros de Paja. La Caza es una película magistral y todo un atrevimiento para la época. Como sin referir directamente a una problemática, habla abiertamente de ella y sin pudor. Que resultara Carlos Saura premiado con el Oso de de Plata de Berlín a mejor director es lo que salvó a la película de ser prohibida por la censura, además de dar a esta cinta una enorme proyección internacional, siendo admirada por directores como el ya citado Peckimpah, la Nouvelle Vague francesa o Pier Paolo Pasolini.

Lo más interesante de la película es toda la simbología que reune entre lo significantes de vivir en España, como unas buenas tierras son desaprovechadas y usadas para la caza en vez de ser cultivadas. Como el personaje más culto se tiene que sumergir en el alcoholismo para soportar la existencia, como el más joven busca la aceptación reivindicando sus rituales de paso y como le son afeadas una y otra vez las diferentes conductas más juveniles. Como bajo el sol del verano coquetean Carmen y Enrique, mientras Juan de forma precavida llama la atención a Carmen, la forma de tratar esto muestra una España de vencedores y vencidos, de dominación sin piedad.

La muerte está omnipresente en toda la cinta, y atención para personas sensibles y amantes de los animales, los disparos a los conejos son reales y los despellajamientos de estos. Luis Buñuel llegó afearle a Saura la muerte de estos animales y que me lleva de nuevo a pensar en Peckimpah y en Patt Garret and Billy the Kid cuando al principio de la película disparan sobre gallinas enterradas hasta el cuello. Se repiten los patrones de alcohol, pólvora y armas de fuego como elementos que señalan la masculinidad. El poder sobre la vida y el arrebatar a placer las vidas animales.

La Caza es un estudio sociológico y etnográfico encubierto, se profundizan en las relaciones entre vencedores y vencidos, como afloran las envidias, los celos, los vicios y como la tensión se va palpando a cada momento.  Se podría decir que La Caza es un western a la española. Y posiblemente una de las mejores películas españolas que he tenido el gusto de ver. Un thriller dramático espectacular y un completo y perfecto ritual en torno a la danza de la muerte.

Crítica a El Espíritu de la Colmena.

Victor Erice ha sido uno de los directores que más me han citado en el máster de Cinematografía que realicé el curso pasado.  He decidido pues aproximarme a su obra y aunque breve y repleta de trabajos corales, es un director que tiene muchísimo interés, no solo por lo naturalista de sus planos si no también por como trata de forma paisajística y a modo de retrato el mundo rural.

El Espíritu de la Colmena es una rara avis dentro del cine español que se realizó durante la dictadura de Franco. En un principio planteaba ser una película de terror y tratar sobre los espíritus y al final acabó resultando un drama rural sobre la posguerra en Castilla la Mancha. Las protagonistas son dos niñas pequeñas que asisten a la proyección de El Doctor Frankestein y quedan impresionadas por el monstruo y la bondad de este. Paralelamente se desarrolla la historia de su madre, una figura casi fantasmal que pulula por la casa escribiendo cartas a un amor frustrado que nunca llegó a consumarse. El padre de las niñas, interpretado por Fernando Fernán Gomez, es un abúlico erudito que pulula entre sus panales de abejas, sus libros sobre el mundo fúngico y los cuidados de sus hijas.

A su vez podemos ver la relación entre ambas muchachas, la mayor deseosa de conocimiento y a medio camino entre la inocencia infantil y a punto de emprender el camino iniciático al mundo adulto y buscar el conocimiento de lo prohibido. Y la pequeña seguidora fiel de su hermana y discípula suya, buscando en ella todas las respuestas que tiene.

Y es que la búsqueda de respuestas sobre su impresión al ver al monstruo de Frankestein la lleva a dar con un hayazgo mucho más sorprendente que cualquier monstruo de película o de ficción. La pequeña niña acabará encontrando a un ex combatiente republicano que huye de las autoridades que le persiguen. Siendo este punto el más insólito de la cinta. Tengamos en cuenta que hasta entonces las representaciones de los republicanos en el cine español eran de personas malvadas, rencorosas y llenas de odio y sin embargo en esta cinta aparece como un hombre derrotado y perseguido, herido y vulnerable que busca esconderse y desaparecer de su persecución.

Es muy interesante el simil que plantea Victori Erice con el republicano huido y la figura del Monstruo de Frankestein. Ambos son seres bondadosos pero que sufren el rechazo y la persecución por parte de los poderes fácticos y ambos seres demuestran su bondad trabando amistad con una niña pequeña.

En el apartado técnico de la cinta destacan las tonalidades similares a la miel en la fotografía, dando la idea de que toda la acción se desarrolla en un panal. Los arreglos musicales son variaciones de piezas infantiles que evidencian aun más la mezcla de fantasía infantil con la realidad. Y es que esta película, no deja de ser una versión del Monstruo de Frankestein pero en nuestra posguerra.

Una película preciosa, imprescindible y cargada de valor y de simbolismos.

Crítica a Los Siete Magníficos.

Esperaba con muchísimo entusiasmo e ilusión esta película dirigida por Antoine Fuqua. Es un director que no me desagrada y que sus productos de acción me parecen correctos y entretenidos y tienen lo mínimo para complacerme como espectador. Tengamos en cuenta que es un remake de la película de John Sturges y así mismo del inmortal e imperecedero film de Akira Kurosawa Los Siete Samurais.

La trama en esencia se mantiene, un villano muy malvado oprime a un pueblo de personas honestas y trabajadoras, frente a los abusos del malvado deciden buscar a siete héroes que les enseñen a luchar y que dirijan la defensa de su tierra contra las fuerzas del mal. A título personal, la trama me parece una de las mejores que jamás se han podido concebir por mente humana y me resulta profundamente emocionante. Sí es cierto que no es en absoluto original, pero me parece bella y hermosa.

Con esta premisa Nick Pizzolatto y Richard Wenk construyen un guión con esa premisa en mente. El villano resulta ser un empresario capitalista que quiere robarle las tierras a unos colonos, con la premisa de que en esas tierras hay una mina de oro y que el pretende explotar a toda costa. El villano Bartholomew Bogue es encarnado por Peter Sarsgaard en un papel despótico y lleno de maldad que hace que el espectador/a automáticamente se posicione del lado de los habitantes del valle que sufren su opresión. Quién tendrá la resolución de ir a buscar a los siete héroes será Emma Cullen, personaje interpretado por Haley Bennet.

Cada uno de los siete héroes está sumamente bien definido y caracterizado, aportando cada cual sus talentos y habilidades al equipo. El elenco que los encarna está bien escogido repartiéndose de la siguiente manera:

• Denzel Washington como Sam Chisolm, caza recompensas y líder del equipo
• Chris Pratt como Joshua Faraday, irlandés mujeriego, borracho y jugador. Gran habilidad con dos revólveres
• Ethan Hawke como Goodnight Robicheaux, un ex soldado confederado y experto tirador.
• Vincent D'Onofrio como Jack Horne, un rastreador y trampero de las montañas.
• Byung-hun Lee como Billy Rocks, asesino y experto con los cuchillos.
• Manuel Garcia-Rulfo como Vasquez, un fuera de la ley mexicano
• Martin Sensmeier como Red Harvest, un guerrero comanche.

El principal defecto que le veo a la película es que ha sufrido cortes en la sala de montaje. Hace que el tramo de acción final sea un poco caótico y que no se profundice más en los personajes de Red Harvest y de Emma Cullen. Personajes interesantes pero que no da tiempo a mostrar sus tramas y sus motivaciones. Cabe decir que sin embargo, el grupo de los siete héroes está muy bien definido y cada actor da una personalidad muy delimitada y carismática a cada personaje y que se agradece el equipo multiétnico de personajes y lo bien diferenciados que están unos de otros en su estética, carácter y habilidades.

La música principal que corría a cargo del difunto James Horner fue terminada por Simon Franglen. Mantiene y respeta el tema original de Bernstein, no obstante aunque la banda sonora mantenga en tensión y sea muy adecuada a la película, Horner vuelve a hacer su habitual autoplagio y usar el ya manido "parababarará" en la partitura de forma repetida, como en Troya o en Enemigo a las Puertas.

En resumen, considero que es una película de entretenimiento digna y decente. No es una obra maestra, pero es un western atractivo y entretenido. Deja en buen lugar a la película original y espero que siga manteniendo la exigua tendencia de filmar western en los tiempos que corren. Que no en vano es mi género favorito.

Crítica a Pokémon Origins y Generations.

Me vais a permitir en esta entrada un poco apelar a la nostalgia. Yo que me considero una persona particularmente crítica con esto, resulta que he caido y he picado como un pardillo con unos cuantos productos que apelan a esta directamente. Y no, no se trata de la muy entretenida serie Stranger Things, sino de los productos de animación de Pokémon.

No me refiero al anime habitual con Ash de protagonista, si no la miniserie de Origins y la actual miniserie de Generations. Y es que pienso que nunca se ha contado desde la perspectiva narrativa ni tan bien ni con tanta calidad la historia del mundo Pokémon.  Se que es apelar a el muchacho o muchacha de 11 años que flipaba con los tazos de Pokémon, que fundió su cartucho de Game Boy y que coleccionó el álbum al completo de Pokémon. Y yo que más allá de Oro/Plata no he seguido el producto, pero sin embargo el tratamiento de Origins y Generations me parece de una calidad y un respeto abrumadores. Emanan una lealtad absoluta al videojuego original y sí aunque es un producto para fans única y exclusivamente, no deja de ser una historia bien narrada, un buen trabajo de animación y un buen planteamiento de las situaciones dramáticas.

En Origins el antagonismo está entre Red y Blue, Red es el muchacho que todos y todas que amamos Pokémon alguna vez quisimos ser. Red es un chico joven, entusiasta, con ganas de aprender y que se embarca en un viaje iniciático que le hará crecer no solo como entrenador Pokémon si no como persona. Red tiene un fuerte sentido de la justicia y aunque se equivoca y fracasa, se levanta para seguir peleando una y otra vez. Blue sin embargo, aunque es un chaval talentoso peca de ser arrogante y pendenciero. Así mismo aparece el enemigo común que es la banda criminal, de atuendo facistoide, del Team Rocket contra la que deberán enfrentarse ambos entrenadores, en especial Red.

La reorquestación de la banda sonora del juego es un trabajo excelente, la música inspira a la aventura, el deseo de conocer mundo, de viajar y de vivir emociones. Red entronca con ese espíritu que podemos ver en personajes como Tintín, Mowli, Caín y Pandora Groosvenore de como experimenta este viaje que le cambiará para siempre y le hará ser mejor persona. La música está perfectamente medida para expresar esas emociones y esos sentimientos, la intensidad de una pelea, el misterio, el calor del hogar.

Resulta especialmente reseñable el enorme y cuidado trabajo de animación, huyendo del shonen habitual y manteniendo una línea clara que no caiga en el fanservice habitual del anime, si no que el cariño del fandom venga por ser un producto de calidad y bien hilado.  Destacan también la gran calidad de las escenas de acción, el dinamismo de los combates Pokémon, en Generations resulta espectacular ver la redada contra Giovani que aparece en el episodio número 2. Es una animación bien hecha, cuidada y con una buena planificación de planos y de montaje.

Las únicas críticas negativas que le puedo hacer a Pokémon Origins y a Pokémon Generations son que son un producto que pecan demasiado en ser para fans y que una persona que no tenga ni pajolera idea de este mundillo quizás no vea lo que el colectivo fans amamos y admiramos de esto. Por otro lado es la brevedad que tiene el producto. Origins debería de haber sido una miniserie de al menos una docena de episodios para contar en detalle las muchísimas aventuras que se suceden en la primera generación del juego. En Generations los episodios apenas duran unos minutos, que sin embargo nos muestran detalles del universo de ficción que resultan muy interesantes.

Así que pido disculpas por este ataque de nostalgia y agradezco mucho que me leáis.

Crítica de El Hombre de las Mil Caras.

Alberto Rodriguez actualmente es mi director español favorito. Sus tres últimos trabajos en la gran pantalla me han encandilado de forma bastante grata y las temáticas que ha escogido para sus cintas. Dos policíacas en lo más sórdido de la Andalucía de los 80 y 90 (Grupo 7 y La Isla Mínima) y ahora vuelve a los años 90 pero con el género de espías y tocando uno de los escándalos más sonados de la democracia española, y por desgracia no por poco habitual ni porque no sea noticia recientemente.

Rodriguez desmenuza con sumo detalle y cuidada ambientación la trama de Luis Roldán y el hombre que se encargó de sacarlo y traicionarlo, el ex agente del CESID Paco Paesa. La trama respira y enhala todo el espíritu que se puede encontrar en una novela o película de espías. Lejos del glamour de 007 aunque con cierto toque de clase y distinción. En ese aspecto la dirección artística está sumamente bien trabajada. Casas grandes y decadentes, personajes cutres pero con ínfulas de grandeza, personajes que por desgracia son muy reales y que están muy bien retratados. Vemos por ejemplo a Roldán fingiendo ser más culto de lo que realmente es a lo largo de la cinta y como se nos muestra eso. Paesa muestra ser un perdedor absoluto y definitivo, la vida que ha escogido es miserable y le aparta del camino más seguro y de la estabilidad emocional más básica.

Insistiendo en la dirección artística, la película recalca ese explendor falso que supusieron los años 90. Interiores ligeramente iluminados, casi de forma fantasmal con enormes plantas. Acompaña esto una fotografía con tonos cálidos en la mayoría de los casos para mostrar la sensación de dinamismo y tensión de la película, los tonos oscuros en las situaciones evidencian la sordidez de todo el asunto. La música a cargo de Julio de la Rosa es magistral, imperan las guitarras eléctricas que suenan de forman rítmica y con la cadencia de un martillo neumático. Totalmente acorde para la película de espías que se trata.

Las interpretaciones del trío de protagonistas son impecables, José Coronado ejerciendo de narrador de la película en el personaje (ficticio) de Jesús Camoes, quizás el personaje más aventurero y el más parecido al arquetipo del espía como 007. Guaperas, carismático y seductor y sin embargo totalmente alejado del verdadero espía, Paco Paesa. Este ,interpretado por Eduard Fernández, su personaje es totalmente un maestro de espías. Ambiguo, dueño y señor del engaño, con su aspecto de hombre anodino, resulta ser capaz de ser todo un maestro de espías. Alba Galocha tiene un pequeño papel, pero la mar de interesante, bien resuelto y bien llevado. Esta joven actriz promete ser realmente grande. Destaca también la gran carecterización de los personajes históricos y reales, siendo una aproximación totalmente acertadas a la realidad. Van acompañados de un guión ágil y bien planificado, la introducción de cada nuevo personaje se hace interesante e introduce una nueva pieza en el puzzle, a medio camino entre El Golpe y El Topo.
 
Otra gran virtud de la cinta es retratar como sórdida y casposa la corrupción y el robo a esta escala. Si en el Lobo de Wall Street se intenta que el espectador empatice con los delicuentes millonarios y se envuelve de glamour todo el mundo alrededor de esto, aquí se muestra como algo decadente, sórdido y peligroso.

La cinta retrata una versión o una ficción histórica de lo que ocurrió con Luis Roldán y su dinero. Al principio del film se anuncia al espectador/a que todo es ficción, pero es el tipo de ficción que da escalofríos por lo cercana que es a la realidad. Se realiza de esta manera una crónica muy interesante del tiempo presente y de la Historia más cercana y un trabajo excelente de Alberto Rodriguez.

Recomiendo totalmente esta película de espías y la dejo en muy buen lugar.